Cubismo: historia, características y artistas más importantes


Andrea Imaginario
Andrea Imaginario
Especialista en Artes, Literatura Comparada e Historia

El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Nació en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo.

El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occidental que, hasta entonces, se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza, lo que supuso entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores. Pero ¿en qué consiste el cubismo? ¿Por qué se dice que es un movimiento revolucionario? ¿Qué aportó a la historia del arte y a la cultura occidental? ¿En qué reside su importancia?

Características del cubismo

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Pablo Picasso: Mujer con mandolina. 1910. Óleo sobre lienzo. 100.3 x 73.6 cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York.

El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como “son” o como se "ven", sino como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el análisis. Comprendamos cómo lo hace.

Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte

A diferencia de los movimientos predecesores, el cubismo se distancia abiertamente de la representación naturalista, es decir, del principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del arte. Esto lo convierte en el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho. El cubismo da un paso más allá al distanciarse, incluso, de la idea de representar la naturaleza según los modos de “percepción” de la vista o la emoción, en decir, en los efectos o los afectos. Es así como logra la deconstrucción plástica por la vía analítica, logrando crear en el cuadro una realidad propia independiente de cualquier referente y de cualquier intento por lograr la verosimilitud.

Síntesis y geometrización

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Juan Gris: Arlequín con guitarra. 1919. Óleo sobre lienzo. Colección privada.

Supresión de la perspectiva y el claroscuro

Toda vez que no interesa la imitación de la naturaleza o de los modos de percepción óptica, el cubismo no se interesa en el claroscuro y en la perspectiva, elementos plásticos al servicio del principio de verosimilitud.

Superposición de planos

El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo. La síntesis se hace total: al tiempo que sintetiza las figuras a su mínima expresión geométrica, sintetiza también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto.

Incorporación de técnicas no pictóricas

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Georges Braque: Violín y pipa, 'Le Quotidien'. 1913. Collage con tiza, carbón, papel. Centro Georges Pompidou, París.

Además de usar la pintura al óleo y otras técnicas habituales, los cubistas fueron los primeros en incorporar técnicas no pictóricas al introducir el collage, es decir, el uso de materiales diversos adosados sobre la superficie del lienzo.

Predominio de la forma sobre el fondo

En el cubismo, el análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el protagonismo. Por ello, no se sienten obligados a representar temas trascendentes, sino que la cotidianidad se vuelve causa de inspiración para poder desarrollar un concepto.

Preferencia por el bodegón y la figura humana

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Georges Braque: Violín y jarra. 1910. Óleo sobre lienzo. 117 x 73 cm. Kunstmuseum Basel, Basilea.

De lo anterior se desprende el interés en temas como el bodegón o naturaleza muerta. Son frecuentes los instrumentos musicales, frutas y objetos cotidianos, así como la figura humana despojada de cualquier valoración referencial (mítica, religiosa, histórica o filosófica).

Contexto histórico del cubismo

Las características del cubismo parten, como toda transformación, de un proceso histórico con implicaciones políticas, económicas, culturales y artísticas. Muchas cosas estaban cambiando a finales del siglo XIX y principios del siglo XX.

El desarrollo tecnológico había llegado a un punto verdaderamente transformador. La invención del automóvil en 1885 y del aeroplano en 1903 había cambiado la percepción de la distancia y del tiempo. Las primeras transmisiones inalámbricas por radio en 1895 cambiaron radicalmente los parámetros de comunicación. La creación de cinematógrafo en 1896 permitió una nueva concepción de la imagen a la que se incorporaba el movimiento, con no pocas consecuencias para las artes visuales.

Por si fuera poco, los sistemas monárquicos europeos comenzaron a ser reemplazados por repúblicas democráticas, al tiempo que crecían el socialismo y el comunismo ante las dinámicas socioeconómicas generadas por el capitalismo. Era evidente que la nueva era que se abría paso, esta sociedad industrializada y masiva, no se veía reflejada en las artes plásticas tradicionales, que seguían atadas a la imitación de la naturaleza y/o al contenido.

Influencias del cubismo

La conceptualización del cubismo respondió también a las ideas que, tanto en lo artístico como en lo cultural, pululaban a principios del siglo XX, y que llamaban la atención de los jóvenes artistas. No solo había ideas nuevas, sino que había disponibles nuevas formas de mirar el mundo disponible.

Influencia del postimpresionismo

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Paul Cézanne: Casas en L'Estaque. 1880. Óleo sobre lienzo.

Los postimpresionistas habían despertado la atención a principios del XX. Los jóvenes artistas residenciados en París se sintieron particularmente conmovidos por una exposición retrospectiva del pintor francés Paul Cézanne, llevada a cabo en 1907. Cézanne se caracterizaba por reducir los volúmenes de los objetos a elementos geométricos esenciales como el cilindro, el cubo y la esfera.

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Georges Braque: Casas en L'Estaque. 1908. Óleo sobre lienzo. 73 cm × 59,5 cm. Kunstmuseum Bern, Berna.

Los nuevos artistas quedaron prendados de la sentencia del postimpresionista Paul Cézanne, para quien “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro”. Por lo tanto, comenzaron a trabajar en la observación y análisis de la imagen, a fin de hallar sus elementos geométricos esenciales.

Influencia de la escultura africana y del arte ibérico

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Izquierda: Escultura íbera del siglo III o II a.C. Derecha: Máscara africana.

Hacia finales del siglo XIX y principios del XX crecía el imperialismo occidental en África y Asia. Europa manifestaba un interés renovado por las expresiones culturales de aquellos pueblos, así como una fascinación ante nuevos hallazgos arqueológicos. En París se llevaron a cabo diversas exposiciones de arte africano y arte ibérico que Picasso y otros artistas tuvieron la oportunidad de apreciar.

Influencia del desarrollo tecnológico

La imagen bidimensional ya no se limitaba solo a la captación de un instante. La cámara cinematográfica había logrado hacer de la imagen una posibilidad temporal narrativa gracias a la invención de la técnica del montaje, introducida por Edwin S. Porter y desarrollada por Griffith. Si la fotografía liberaba a la pintura de la imitación de la naturaleza, el cine la liberaba de la obligación de contar historias. ¿Qué hacer de allí en adelante?

Influencia del pensamiento científico

Los artistas que desarrollaron el cubismo se vieron influenciados por las teorías de Albert Einstein. Para el conocido científico, era imposible determinar un movimiento; un objeto podía parecer estar quieto o el movimiento según la perspectiva. De allí resultaría, pues, el concepto de las perspectivas superpuestas.

El origen del cubismo

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Pablo Picasso. Las señoritas de Avignon. 1907. Óleo sobre lienzo. 243.9 cm × 233.7 cm. Museo de Arte Moderno. Nueva York.

El cubismo tuvo sus orígenes en un grupo de discusión artística instalado en el boulevard de Montmartre, en un edificio al que llamaban “Bateau-Lavoir”. Este edificio era la residencia de Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Max Jacob, Kees Van Dongen, Constantin Brancusi, Amedeo Modigliani y otros artistas más.

El grupo de discusión llegó a recibir la visita de los pintores Henri Matisse, que ejerció gran influencia en Picasso y Braque, y Diego Rivera. También lo frecuentaban los escritores Jean Cocteau y Guillaume Apollinaire, este último creador del texto Los pintores cubistas (Les Peintres cubistes), publicado en 1913. El investigador Blas Matamoro, en un ensayo titulado Apollinaire, Picasso y el cubismo poético (1988), sostiene que:

Se dice que Matisse fue, observando un cuadro de Braque, en 1908, el que comparó la composición a un amasijo de pequeños cubos. El crítico Luis Vauxcelles, retomando a Matisse, acuña la palabra cubismo al comentar una exposición de Braque ese año, pero será Apollinaire quien intente las primeras aproximaciones conceptuales a la pintura cubista, atribuyendo su paternidad a Picasso, del cual los cubistas serían meros y chatos imitadores.

(Las negrillas son nuestras)

En efecto, el primer lienzo propiamente cubista fue Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, culminado en 1907, y este lienzo fue exhibido en el edificio Bateau-Lavoir por primera vez.

La figura estratégica que ayudó a la difusión extraordinaria del cubismo fue el escritor, coleccionista de arte y marchante Daniel Kahnweiler, un férreo defensor del cubismo y de sus más importantes artistas: Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y André Derain, aunque este último fue más conocido por su obra fauvista. Kahnweiler jugó un papel fundamental al convertir a su galería en un centro de difusión del cubismo.

Vea también: Análisis de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso.

Etapas del cubismo

En tanto movimiento, se conocen tres etapas esenciales del cubismo, si bien es cierto que algunos de sus postulados siguieron presentes tanto en sus creadores como en las generaciones venideras.

Cubismo primitivo o período cézannesco (1907-1909)

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Georges Braque: Viaducto a L'Estaque. 1908. Óleo sobre tela. 72.5 x 59 cm. Museo Nacional de Arte Moderno Centro Pompidou, París.

El período primitivo se caracteriza por la austeridad en el color (dominan los tonos neutros como grises y marrones) y la renuncia a la perspectiva tradicional, enfocada en un punto único, a fin de integrar múltiples perspectivas en un solo plano. Como temas, prefiere las escenas interiores, aunque eventualmente acude al paisaje.

Cubismo analítico o cubismo hermético (1910-1912)

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Pablo Picasso: Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler. 1910. Óleo sobre lienzo. 100.4 cm × 72.4 cm. Instituto de Artes de Chicago, Chicago.

El cubismo analítico se enfocó en el análisis de la realidad y su descomposición en planos de los volúmenes de un objeto. Abandonó por completo el interés por la verosimilitud e incursionó en una propuesta conceptual. El cubismo analítico pretendió combinar la tridimensionalidad de la realidad con la bidimensionalidad de la superficie pictórica.

Desde el punto de vista plástico abundan los ángulos y las líneas rectas. La iluminación no es real y no tiene una fuente única, sino que el pintor la hace surgir de diferentes puntos. La tendencia colorista se aproxima al monocromatismo y los tonos preferidos son castaños, grises, cremas, verdes y azules. Los temas de representación suelen ser los bodegones con instrumentos musicales, botellas, pipas, vasos, periódicos y, en menor medida, la figura humana.

Cubismo sintético (1913- 1914)

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Juan Gris: Hombre en el café. 1914. Técnica mixta. Óleo sobre lienzo y collage con papel periódico. 99.1 × 71.8 cm. Museo de Arte Metropolitano, Nueva York.

El período sintético se caracterizó por la ruptura total de todo procedimiento imitativo. Empleó signos plásticos; devolvió al color su protagonismo; las superficies se hicieron más amplias y decorativas, a pesar de su fragmentación, y se incorporó el collage, lo que permitió la exploración de las texturas. Así, sobre el lienzo se podía ver materiales no pictóricos como cajetillas de cigarrillos, páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, arena. De este modo, el cubismo sintético jugó con los límites entre la realidad y la ilusión pictórica.

El fin del cubismo y su importancia

El cubismo tuvo una muy corta duración como movimiento, pues desapareció en el año 1914 con el inicio de la Primera Guerra Mundial. Aún así, la propuesta estética del cubismo penetró el imaginario artístico y se convirtió en fuente de inspiración para artistas y comunicadores visuales.

Influencia del cubismo en el arte contemporáneo

cubofuturismo
Cubofuturismo.
Izquierda: Kazimir Malévich: El Molinillo de Cuchillo (Principio de Glittering). 1913. Óleo sobre lienzo. 79.5 x 79.5 cm. Galería de Arte Universitario, Yale.
Derecha: Marcel Duchamp: Desnudo bajando una escalera Nº 2. 1912. Óleo sobre lienzo. 1,47 m x 90 cm. Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia.

Lo primero que hay que decir es que el cubismo logró un cambio fundamental en el arte occidental: que se consolidara la valoración del arte como una realidad autónoma de todo contenido o tema al que estuviera consagrada.

Si bien el impresionismo había abierto este camino cuando hizo girar la atención del tema hacia los modos de representación, aún la imitación de la naturaleza estaba presente. Los postimpresionistas se acercaban en la medida en que daban curso a su mundo interior, a su particular modo de ver o de sentir.

Los cubistas, en cambio, fueron más lejos al romper totalmente con la dependencia del referente y dieron otra perspectiva a la valoración del concepto. Ese principio de máxima autonomía y máxima libertad, abrió la compuerta de la creatividad y la originalidad en el arte occidental.

cubismo orfico
Izquierda: Robert Delaunay: La ville de Paris. 1911. Cubismo. Óleo sobre lienzo. 1722 x 1195 cm. Museo de Arte Toledo, Toledo, EE.UU.
Derecha: Robert Delaunay: Homenaje a Blériot. 1914. Orfismo. Temple sobre lienzo. 250 × 251 cm. Museo de Arte de Basilea, Basilea.

La difusión del cubismo inspiró la creación de nuevos grupos como:

  • Cubismo órfico u orfismo, del francés Robert Delaunay, centrado en la importancia al color y el uso de elementos compositivos creados por el artista.
  • Grupo de Puteaux, relacionado también con el orfismo. Algunos artistas fueron el propio Robert Delaunay, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Francis Picabia y Alexander Calder.
  • Cubofuturismo, que implicó una combinación del cubismo con el futurismo italiano. Algunos nombres importantes de esta corriente fueron Kazimir Malévich, Oleksandr Arjípenko, Vladímir Baranoff-Rossine y Sonia Delaunay.
  • Neoplasticismo del holandés Piet Mondrian.
  • Suprematismo ruso de Kazimir Maliévich.
  • Constructivismo escultórico de Vladimir Tatlin.
  • Purismo, un movimiento estético racional y geométrico impulsado por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard Jeanneret (Le Corbusier).

Influencia del cubismo en el diseño gráfico

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Cassandre: Le Nouvelliste. 1923. Cartel, estilo art déco. Se percibe la influencia del cubismo y el futurismo.

La más importante influencia del cubismo en el diseño gráfico se registra particularmente en el diseño tipográfico. Esto fue posible mediante la invención del collage y la integración de la tipografía al arte, lo que además de producir un efecto formal, logró nuevas significaciones a través de la asociación de ideas.

De esta manera, el cubismo favoreció el desarrollo del diseño independiente de la naturaleza. En su fase sintética, fomentó la utilización de signos en lugar de figuras reconocibles. Aportó también el uso de secciones planas de color, motivos urbanos y precisión en los ángulos. Finalmente, el cubismo creó el desafío de la interpretación del tema por medio de la atracción hacia la nueva estructura pictórica.

Artistas representantes del cubismo

El cubismo acobijó a muchos artistas como André Derain, Fernand Léger, Albert Gleizes, Jean Metzinger, María Blanchard, Henri Le Fauconnier, y muchos otros. Dentro del grupo, las personalidades más importantes, tanto en su creación como en su desarrollo, fueron Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973)

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Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid hasta que en 1900 se trasladó a París, donde estudió y pasó la mayor parte de su vida. Se le atribuye la creación del cubismo a partir del lienzo Las señoritas de Avignon de 1907. En su edad madura fue aproximándose una vez más al figurativismo. Una de sus obras más célebre es el cuadro Guernica, inspirado en la guerra civil española.

Vea también: Obras esenciales de Pablo Picasso.

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 1882 - París, 1963)

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Georges Braque. Fotografía de David E. Scherman.

Fue pintor y escultor. Estudió en París en la Academia Humbert y en la Escuela de Bellas Artes. Tras conocer a Picasso y su cuadro Las señoritas de Avignon, su obra dio un giro y trabajó codo a codo con el pintor malagueño, desarrollando el máximo potencial del movimiento cubista. Fue el creador del collage.

Juan Gris (Madrid, 1987 - Boulogne-sur-Seine, 1927)

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Su nombre verdadero era José Victoriano González-Pérez. Fue pintor e ilustrador. Se mudó a París huyendo de la milicia y encontró residencia en el mismo edificio que Picasso y Braque. Se integró al cubismo a partir de 1910 y dejó la ilustración. Trabajó con una técnica de collage específica conocida como papier collé, que usa papel, cartón y periódico. Dio gran desarrollo al colorismo dentro de su obra cubista, a la que se apegó toda su vida.

André Derain (Chatou, 1880 - Garches, 1954)

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Pintor, ilustrador y escenógrafo francés, inicialmente conocido por su relación con el fauvismo, movimiento en el que alcanzó un reconocimiento indiscutible. Tuvo un período cubista que inició hacia 1908, año en el que destruyó muchas de sus obras anteriores. Al terminar la Primera Guerra Mundial, Derain retornó al arte tradicional. Su paso por el cubismo fue transitorio.

Andrea Imaginario
Andrea Imaginario
Profesora universitaria, cantante, licenciada en Artes (mención Promoción Cultural), con maestría en Literatura Comparada por la Universidad Central de Venezuela, y doctoranda en Historia en la Universidad Autónoma de Lisboa.