Guernica es una pintura mural al óleo elaborada en el año 1937 por el pintor, escultor y poeta español Pablo Ruiz Picasso (Málaga, España 1881-Mougins, Francia 1973). Se encuentra actualmente en el Museo de Arte Reina Sofía en Madrid, España.
El cuadro fue un encargo del gobierno de la Segunda República en España para el pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937, en pleno contexto de la Guerra Civil española.
Picasso no recibió ninguna petición acerca del tema, de modo que demoró algún tiempo en hallar un concepto apropiado. A partir de esta situación, surgen una serie de dudas respecto a la génesis y tema real del lienzo.
Significado del Guernica
Pablo Picasso alcanzó a decir lo siguiente sobre su obra:
Mi trabajo es un grito de denuncia de la guerra y de los ataques de los enemigos de la República establecida legalmente tras las elecciones del 31 (...). La pintura no está para decorar apartamentos, el arte es un instrumento de guerra ofensivo y defensivo contra el enemigo. La guerra de España es la batalla de la reacción contra el pueblo, contra la libertad. En la pintura mural en la que estoy trabajando, y que titularé Guernica, y en todas mis últimas obras, expreso claramente mi repulsión hacia la casta militar, que ha sumido a España en un océano de dolor y muerte.
Sin embargo, la beligerante declaración de Pablo Picasso hizo que la obra Guernica fuera considerada una pintura propagandística. ¿Fue realmente inspirada en los bombardeos de Guernica o respondió a los fines propagandísticos de la izquierda española? Parafraseando a José María Juarranz de la Fuente, Macarena García sostiene que:
Picasso nombró Guernica a su obra para elevarla de categoría y multiplicar su visibilidad en Europa, convirtiéndola en un símbolo contra la barbarie fascista de la guerra española.
Macarena García resume las conclusiones de Juarranz de la Fuente de la siguiente manera:
El toro representa el autorretrato de Picasso, la mujer con el niño desmayado representaría a su amante Marie Thèresse Walter y a su hija Maya en el momento del nacimiento y el caballo representaría a su ex mujer Olga Koklova y la lengua puntiaguda a sus duras discusiones con ella antes de su separación.
En cuanto a la figura femenina que sostiene una lámpara que sale de una ventana, José María lo asocia a la madre del artista en el momento del terremoto que vivieron en Málaga...
En otro artículo titulado ¿Es el ‘Guernica’ un retrato familiar de Picasso?, escrito por Angélica García y publicado en El País de España, también se hace referencia al libro de Juarranz de la Fuente. En este se dice que:
El guerrero tirado en el suelo es su interpretación más polémica, reconoce el autor. No alberga dudas de que se trata del pintor Carlos Casagemas, al que considera que Picasso traicionó durante un viaje a Málaga.
Más allá de determinar cuál interpretación es verdadera, surgen una serie de preguntas en nosotros. ¿Acaso este cuestionamiento invalida el significado simbólico que se le ha atribuido a la obra?
¿Podría ser que Picasso hubiera comenzado el proyecto como algo personal y, ante el evento, le hubiera dado un giro a sus bocetos preliminares antes de su ejecución final? ¿Puede ser que haya visto en su propia historia de vida la metáfora de una guerra?
Si bien puede ponerse en cuestión las motivaciones iniciales de Picasso, la polémica confirma la naturaleza polisémica del arte. En todo caso, es posible interpretar esta discusión como signo de la capacidad de los artistas, muchas veces inconsciente, para trascender el pequeño mundo de las intenciones declaradas y captar sentidos universales.
Quizá en cada obra, como en el Aleph de Borges, se esconde el universo vivo.
Análisis
Guernica se considera uno de los cuadros más importantes de la carrera del pintor Pablo Picasso y del siglo XX, tanto por su carácter político como por su estilo, una mezcla de elementos cubistas y expresionistas que lo tornan único. Cabe preguntarse qué representa, de dónde deriva su carácter político y cuál es el significado que el pintor le atribuye.
¿Qué representa el cuadro Guernica?
En la actualidad, existen dos tesis en debate sobre qué representa el Guernica de Pablo Picaso: la más extendida defiende que se inspira en el contexto histórico de la Guerra Civil española. Otra, más reciente y escandalosa, insiste en que se trata de una autobriografía.
Contexto histórico
La mayoría de las fuentes señalan que el cuadro Guernica representa un episodio enmarcado en el contexto histórico de la Guerra Civil española. Para entonces, Guernica —ubicada en Vizcaya, País Vasco—, estaba bajo el control de la Segunda República y tenía tres fábricas de armamento.
En consecuencia, el 26 de abril de 1937, la población de Villa Vasca de Guernica fue bombardeada por la Legión Cóndor de las fuerzas de aviación alemanas, apoyadas por la aviación italiana. El bombardeo dejó un saldo de 127 fallecidos, despertó la reacción popular y repercutió en la opinión pública internacional.
Una posible autobiografía
Tras el análisis de los bocetos para el lienzo y su datación, algunos investigadores se ha preguntado si realmente Picasso se propuso desde el inicio una representación deliberada de los bombardeos sobre Guernica.
En un artículo de Macarena García titulado ¿Y si el ‘Guernica’ contara otra historia?, en el que reseña el libro Guernica: la obra maestra desconocida de José María Juarranz de la Fuente (2019), se informa que la obra habría comenzado a realizarse antes de que se tuviera conocimiento de los bombardeos.
El tema inicial habría sido, según Juarranz, un relato autobiográfico familiar del pintor, que recorre su historia con su madre, sus amantes y su hija, la cual estuvo a punto de morir tras el alumbramiento. Esta hipótesis ya habría sido sugerida por Daniel-Henry Kanhweiler, marchante y biógrafo del pintor malagueño.
Cabe preguntarse, ¿puede un análisis iconográfico confirmar o invalidar esta interpretación? Veamos a continuación.
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Descripción iconográfica
En Guernica, Picasso aplica la técnica de la pintura al óleo en un lienzo de gran formato. es un cuadro polícromo, cuya paleta incluye negro, gris, azul y blanco, de modo que el pintor aprovecha al máximo los fuertes contrastes de claroscuro que estos colores permiten.
El cuadro refleja la dualidad de dos escenas en una: la parte izquierda parece el interior de una casa y la parte derecha el exterior, unidos y separados a la vez por umbrales.
El umbral es un símbolo importante en el imaginario artístico. Este se permite el tránsito del interior al exterior y viceversa, y comunica diversos espacios y mundos. Por lo tanto, cuando se cruza cualquier umbral, se pasa a una zona peligrosa de batallas invisibles pero reales: el subconsciente.
Para la unificación de los diferentes aspectos del cuadro, Picasso usa la técnica del cubismo sintético, que consiste en trazar una línea recta a lo largo del cuadro, unificando con ello las formas inconexas.
La luz en el cuadro es crucial para mostrar el dramatismo y la conexión entre los diferentes personajes al estar todos iluminados y todos juntos en este sufrimiento.
Personajes y figuras en Guernica
La composición de Guernica presenta nueve personajes: cuatro mujeres, un caballo, un toro, un pájaro, una bombilla y un hombre.
Las mujeres
Para Picasso, las mujeres son efectivas para mostrar el sufrimiento y el dolor, ya que les atribuye esa cualidad emocional.
Las dos mujeres que claman al cielo por justicia están una en cada extremo del cuadro enmarcando el sufrimiento. La mujer de la izquierda clama por la vida de su hijo, quizá símbolo del dolor psíquico, y nos recuerda la iconografía de la Piedad.
La mujer de la derecha clama por el fuego que la consume. Representa probablemente el dolor físico. Picasso consigue aumentar la sensación de encierro al circunscribirla en un cuadrado.
Las otras dos mujeres crean movimiento desde la derecha hacia el centro de la obra. La mujer más pequeña parece absorta con la luz que emana la bombilla en el centro de la sala, por lo que su cuerpo (en diagonal) completa la composición triangular.
La otra mujer, semejante a un espectro, se asoma por una ventana portando una vela en dirección a la figura central del caballo. Ella es la única imagen etérea y la única que sale o entra por una ventana o umbral, transitando de un mundo a otro.
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El caballo
Herido con una lanza, el caballo sufre contorsiones cubistas de cabeza y cuello. De su boca sale un cuchillo que tiene por lengua, el cual apunta en dirección al toro.
El toro
El toro al lado izquierdo del cuadro está sorprendentemente impasible. El toro es el único que mira al público y se comunica con él en una forma que los otros personajes no lo logran.
Pablo Picasso, en la década de los 30, hace del toro un animal recurrente en su iconografía hasta convertirlo en el símbolo del laberinto de su vida.
El pájaro (paloma)
El pájaro está muy sutil entre los dos animales fuertes del cuadro: el toro y el caballo. Pero eso no le impide graznar a los cielos de la misma manera que hacen las mujeres que se enmarcan a cada lado del cuadro.
La bombilla
La bombilla circunscrita en una especie de ojo, con rayos como un sol, preside el conjunto de la escena y da la sensación de observar por fuera todos los acontecimientos.
La bombilla interior juega con la ambigüedad y dualidad de no saber si es noche o día, interior o exterior. Nos transporta a un mundo fuera de este mundo.
El hombre
El hombre es representado por una sola figura, en el suelo, con los brazos abiertos extendidos y fragmentados.
Ubicado a lo largo del suelo de la parte izquierda, vemos su brazo amputado, aún empuñando una espada rota junto a una única y minúscula flor ubicada en el centro inferior del cuadro, representando quizá la esperanza.
Las rayas en el brazo simbolizan la flagelación. Esto, junto con sus brazos abiertos nos recuerda la crucifixión como sufrimiento y sacrificio del hombre.
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