A principios del siglo XX, surgieron las vanguardias que buscaban romper con la tradición. De este modo, el futurismo, dadaísmo y surrealismo, entre otros, rompieron las barreras de lo que se podía plantear como arte. Así fue como ser artista moderno significó innovar y desafiar al mundo a través de obras que ya no intentaban copiar la realidad o ser bonitas, sino que buscaban remecer las concepciones estéticas y sociales que existían.
Por ello, las expresiones artísticas actuales se basan en el impacto que producen en la audiencia. Mientras más polémico y desafiante, mejor es recibido.
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¿Qué es el arte contemporáneo?
El arte contemporáneo es aquel producido a partir de 1950. Por tanto, responde a las circunstancias de su tiempo. Son creaciones directamente relacionadas con la globalización, la sociedad de consumo y lo manufacturado.
Los artistas ya no necesitan ser expertos o tener algún talento particular, pues lo que predomina es la idea y el concepto. Es una realidad en la que abundan las instalaciones, las esculturas y los readymade que toman un objeto común y le otorgan nueva vida.
Asimismo, las redes sociales se han convertido en el principal medio de difusión, ya que la originalidad y la osadía son los valores más apreciados. Se trata de cada vez ir más lejos y desafiar todos los estándares. Hoy, cualquier propuesta fundamentada, puede ser entendida como arte.
Esto cobra sentido en una época saturada de estímulos y de información, con una historia del arte que cuenta con siglos de grandes creadores que ya demostraron su valía técnica. Entonces, lo interesante es asombrar y ser disruptivo.
A continuación, se presentan algunos de los artistas contemporáneos más rupturistas, extraños y famosos de los últimos tiempos, que son alabados y odiados al mismo tiempo. Sin duda, han logrado ocupar un espacio dentro del imaginario colectivo.
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Escultura
1. Jeff Koons
Jeff Koons (Estados Unidos, 1955) es uno de los artistas actuales más controversiales, debido a una propuesta en la que prima el exceso. Se hizo famoso en la década de los 80 por medio de un arte conceptual, en el que destacan los elementos pop y kitsch.
Solía trabajar en la bolsa de Wall Street, por lo que fue de los primeros creadores en contratar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen.
Aunque ha realizado cuadros y fotografías, es reconocido por sus esculturas monumentales y relucientes. Su temática gira en torno a la belleza, el deseo y la banalidad.
Si bien algunos lo consideran un pionero y un hito en la historia del arte, tiene varios detractores que critican su producción en masa. Koons se ha caracterizado por ser un artista de ideas. Así, crea un concepto que termina siendo confeccionado por otros especialistas y realiza varias copias que vende en millones de dólares.
Koons se popularizó con esta serie de esculturas realizadas entre 1994 y el año 2000. Hasta hoy es asociado a esta imagen que representa a un perro hecho de globos inflados, típico de fiestas de cumpleaños o carnavales, dirigidos a un público infantil. Con sus Balloon dogs, se convirtió en el máximo representante del arte kitsch, basado en una estética recargada y de “mal gusto”.
De esta manera, tomó un objeto de valor mínimo, efímero, perteneciente a la cultura de masas y quiso otorgarle su lugar como obra de arte. Así, se puede ver la interacción entre el lenguaje visual cotidiano y la referencia a acciones rupturistas como el urinario de Duchamp. Se trata de convertir lo menos imaginado en una pieza artística.
Para su realización utilizó elementos industriales, ya que están hechas de acero inoxidable pulido con revestimiento de color. Existen cinco versiones en azul, magenta, amarillo, naranja y rojo. Lo que más llama la atención son sus grandes dimensiones (307.3 x 363.2 x 114.3 cm), ya que decide jugar con la escala para hacer aún más llamativo su proyecto.
Uno de los aspectos principales tiene que ver con la materialidad. El artista decidió utilizar una imagen que se destaca por su color y forma, haciendo alusión al fetichismo materialista actual que se basa en la acumulación de lo inútil.
Con Play-doh continuó su estilo de piezas monumentales (315 x 386.7 x 348 cm.), al crear esta escultura conformada por 27 piezas separadas de aluminio pintado. El 2014 fue estrenada en una retrospectiva que realizó el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York.
El artista confeccionó cinco copias de esta obra que hace referencia a la marca Play doh que produce materiales que sirven para proyectos manuales de niños. Su inspiración vino de su hijo Ludwig, que cuando pequeño modeló un montículo de plasticina y se lo regaló a su padre.
Koons intentó darle el carácter más realista posible, para así apelar a los sentidos del espectador. De este modo, se pueden observar marcas de dedos, como si fuese una composición recién creada.
Con los años, sus obras han alcanzado algunos de los valores más altos que puede esperar un artista vivo. El año 2018, una de estas versiones fue vendida en 20 millones de dólares.
Bouquet de tulipanes fue expuesta el año 2019 en homenaje a las víctimas de los ataques terroristas que sucedieron en Francia en noviembre del 2015. Por iniciativa de la embajadora de Estados Unidos, Koons le regaló esta escultura al pueblo de París.
Mide 12 metros, pesa 33 toneladas y está hecha de bronce, acero inoxidable y aluminio. Se inspiró en la pintura Bouquet de paz (1958) de Pablo Picasso y en la Estatua de la Libertad. La mano sostiene 11 tulipanes en vez de la clásica docena, para simbolizar la ausencia, pero también la esperanza.
Sin embargo, esta obra causó una gran polémica, ya que costó 3,5 millones de euros. Fue financiada por coleccionistas norteamericanos y franceses. Ante este escenario, muchos afirmaron que el dinero podría haber sido directamente donado a las asociaciones de víctimas.
De igual manera, acusaron a Koons de oportunista, pues quería utilizar como excusa lo tragedia para así instalar una obra suya en un lugar turístico. Frente a esto, el artista aseguró que el 80% de los ingresos por la reproducción audiovisual irían para los afectados por el atentado y para el ayuntamiento.
2. Damien Hirst
Damien Hirst (Inglaterra, 1965), es uno de los artistas más innovadores de la actualidad. En su obra, decidió explorar los límites de qué puede entenderse como arte.
Se lo ha comparado con Andy Warhol, debido a su irreverencia, a la realización de proyectos que muchos tildan de siniestros y a la capacidad que tiene para generar dinero. Uno de sus más importantes detractores es Julian Spalding, crítico y escritor, que ha definido su producción como "con-art" (arte-estafa).
Efectivamente no hace sus obras, sino que son realizadas por un grupo de colaboradores. De esta manera, afirma que lo esencial son sus ideas revolucionarias que buscan poner en tensión las temáticas aceptadas en el mundo artístico. Así, la materialización pasa a un segundo plano. Además, ha sabido convertirse en una celebridad, pues sólo su figura y sus afirmaciones atraen público.
En 1991, Hirst comenzó con su serie Historia natural, en donde utilizó cadáveres de animales que preservó a través del uso de formol. Una de las piezas más polémicas fue La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo.
En un depósito de acero y cristal se encuentra un tiburón tigre. Su objetivo era situar en primer plano un animal peligroso que rara vez puede verse con tanta detención. Buscaba generar emociones viscerales en la audiencia, al enfrentarlos al límite entre la vida y la muerte.
El coleccionista Charles Saatchi financió la compra del cadáver. El artista lo encargó a un pescador al que le pidió un animal "suficientemente grande como para devorarte". Una vez finalizada la escultura, fue expuesto en la Galería Saatchi de Londres.
A pesar del uso de formol, el año 2006, el tiburón tuvo que ser reemplazado debido a la degradación del cuerpo.
El año 2007 el artista expuso Sólo Dios sabe. Está compuesta por tres ovejas desolladas en tanques separados, evocando la imagen de la crucifixión de Cristo.
Aquí, se apela a lo grotesco, exponiendo a un animal que debe soportar el tormento y la angustia para luego ser consumido. De esta manera, funciona como una crítica a la industria alimenticia moderna. Asimismo, hace un guiño a la resurrección. Su título alude a la sabiduría de Dios, pues él sabe por qué las cosas se dan de cierta manera.
Su obra más famosa hasta el momento es Por el amor de Dios (2007), reconocida como la más costosa del mundo. Su producción tuvo un valor de 17 millones de euros.
Utilizó un cráneo masculino del siglo XVIII para hacer un molde de platino. A esta calavera artificial se le agregaron 8.601 diamantes y se le añadió la dentadura original, luego de ser arreglada. En la frente se le incrustó un adorno estilo sacerdotal, también compuesto por diamantes.
La pieza fue exhibida por primera vez en la galería White Cube de Londres. En ella alude a temas como la muerte y el dinero, es decir, ¿qué importancia tienen las riquezas terrenales en el final de la vida? De igual manera, con el título, vuelve a insertar la temática religiosa. Sin embargo, para nombrarla se inspiró en su madre, que por aquella época le dijo "¡Por el amor de Dios! ¿Qué vas a hacer ahora?"
El artista aseguró que con esta escultura quería reflexionar sobre lo inevitable del fin de la existencia. Afirmó: "La muerte hace excitante la vida. Es un detonante universal. Todos tememos a la muerte".
Aunque Hirst declaró que fue vendida el mismo año a un consorcio anónimo por 60 millones, algunas voces del mundo del arte lo han puesto en duda. Varios acusan que sigue en manos del artista y se ha usado el supuesto precio para aumentar su popularidad y el valor de sus otras creaciones.
Sin duda, el último proyecto de Hirst ha sido el más controversial en el mundo del arte hasta la fecha. El año 2016, realizó 10.000 pinturas al óleo sobre papel. El 2021 decidió vincularlas a NFT y denominar la propuesta The Currency (La Moneda). De este modo, fueron puestas a la venta por un valor de dos mil dólares.
Una vez que alguien lo adquiría, podía optar por conservar el criptoarte (la pieza en forma digital) o tenerla en formato físico. En caso de que la persona optara por el NFT, la pintura sería expuesta y luego quemada.
De esta manera, ponía en cuestión la naturaleza del arte moderno, ¿qué vale más hoy? ¿Lo material o lo inmaterial? Desde que se inauguró en septiembre del 2021, 4.137 compradores decidieron permutar su NFT por la obra física, mientras que 5.863 quisieron conservar la versión encriptada. Con ello, casi 6.000 lienzos fueron quemados.
3. Greg Lansky
Greg Lansky (Francia, 1982) se hizo famoso este año debido a una escultura que llamó la atención del público y los especialistas por su manera de interpretar el nuevo siglo.
Aunque se formó como fotógrafo, ha desarrollado una carrera como director y productor de cine pornográfico. Ahora que ya es empresario y tiene libertad económica, decidió explorar el mundo del arte. Sus esculturas se refieren al mundo actual y funcionan como un reflejo crítico sobre las condiciones de la realidad contemporánea.
En noviembre de 2022 presentó una escultura de mármol llamada Belleza algorítmica. Se trata de una reinterpretación moderna de la clásica Venus de Milo. Así, hace eco de la tradición, pero decide otorgarle una mirada nueva. La gran diferencia radica en que tiene brazos con los que sostiene un Iphone.
Lansky publicó la foto en su cuenta de instagram, acompañada del siguiente mensaje: "¿Cuánto dolor soportarías para sentirte amado?". En sus palabras:
He creado este trabajo reflejando la relación entre el dolor y el sentirse amado en un mundo impulsado por algoritmos de IA. No hay espejo para su selfie porque la humanidad es el espejo. Todos somos el espejo. Belleza Algorítimica no tiene filtros de belleza. Las marcas de las cirugías plásticas se muestran con gracia y dignidad como las cicatrices de batalla de una guerra sin fin que nadie puede ganar.
De este modo, busca ejercer un crítica frente al sistema actual que promueve una imagen adulterada del ser humano. Los estándares de belleza hacen que las personas se sometan a cirugías plásticas que involucran muchísimo dolor. Todo ese sacrificio lo hacen para pertenecer y poder entregar la mejor versión de sí mismos al mundo. A cambio, reciben el falso amor de las redes a través de los "me gusta" y los comentarios ajenos.
Así, esta Venus moderna muestra un cuerpo con implantes de silicona y marcas que develan diversas intervenciones estéticas. Para Lansky, es el reflejo de la sociedad de hoy, que busca constantemente mejorar su exterior, sin preocuparse de nada más que la apariencia.
En diciembre de 2022, el artista estrenó una nueva escultura en la que nuevamente escogió elementos del pasado para así poner en juicio a la cultura moderna.
En Tú eres el siguiente construyó una guillotina, máquina que surgió durante la Revolución francesa para decapitar a los enemigos del nuevo mundo que se quería formar. Este instrumento de muerte ya resultaba bastante paradigmático en su época. Mientras se promovían los ideales de igualdad, fraternidad y libertad, también se creó una herramienta que permitía asesinar a todos aquellos que resultaran inconvenientes para el poder.
Lansky retoma esta idea y sitúa en el centro de la composición el símbolo de Twitter, una de las redes sociales más polémicas y destructivas del panorama actual. Al igual que en la Francia del siglo XVIII, este medio puede ser visto como un elemento cruel, pero justificable que atrae a un público ávido del dolor ajeno.
Instalaciones
1. Olafur Eliasson
Olafur Eliasson (Dinamarca, 1967) es reconocido por sus esculturas e instalaciones a gran escala, aunque también ha trabajado la pintura, la fotografía y el cine. Su visión tiene que ver con intervenir el espacio y acercar a la gente a los fenómenos naturales como la luz y el agua. La idea es que, al ser dispuestos de maneras originales, permiten replantear su cualidad como objetos artísticos.
En 1995 instaló un estudio en Berlín, pues su propuesta tiene que ver con el trabajo en equipo y la colaboración. Consiste en un edificio de cuatro pisos en el que participan alrededor de 100 personas. Entre ellos se encuentra personal técnico especializado, profesionales de la artesanía, de la arquitectura y de la historia del arte, del diseño web, gráfico y cineastas.
En Belleza (1993) buscaba redescubrir el encanto de los fenómenos naturales. Consistía en una instalación situada en una sala oscura. Allí se encontraba una manguera en el techo desde la que salía agua en forma de rocío y una lámpara. La yuxtaposición de estos elementos producía un arcoiris que el espectador tenía que encontrar al ponerse en el ángulo correcto.
El 2003 Elliason expuso en la Tate Modern de Londres El proyecto del clima. En la enorme sala de turbinas (155 metros de largo, 23 de ancho y 35 de altura) situó humidificadores para crear neblina. En el centro instaló un disco compuesto por cientos de lámparas monocromáticas irradiando luz amarilla. Luego, en el techo se dispuso un espejo que permitía que los visitantes se reflejaran como pequeñas sombras.
La instalación duró cinco meses y atrajo a dos millones de espectadores que interactuaban con los elementos, compartían, contemplaban y podían meditar sobre el cambio climático. Su obra busca hacer pensar a través de la interacción. Por ello, Mark Godfrey, curador de El Proyecto del clima, expresó:
Eliasson cree que a veces la emergencia climática es comunicada solo a través de discursos de miedo. Él quiere cambiar la forma en la que pensamos sobre el tema con un discurso de placer y amor. Ya sabe, ¿qué me gusta del mundo? ¿Y por qué debería preocuparme por él?»
El año 2014, en conjunto con el geólogo Minik Rosing, emprendieron la instalación de Reloj de hielo que buscaba visibilizar de manera directa los problemas que ha acarreado el calentamiento global. La muestra pasó por Copenhague, París y Londres.
Consistía en bloques de hielo provenientes de Groenlandia que se separaron debido al derretimiento. Estas piezas fueron trasladadas y dispuestas de forma circular, imitando un reloj. Los 24 bloques pesaban 12 toneladas e invitaban al espectador a ser partícipe. Las personas podían tocar, sentir el frío y observar en vivo el proceso de derretimiento.
Para Elaisson, el rol del artista en muy importante en la actualidad. De hecho, declaró: "No se puede elegir no ser político. Todo lo que hacemos tiene consecuencias, y no podemos escapar del hecho de que todos estamos interconectados”. Por ello, animaba al público a considerar su propuesta:
Debemos reconocer que juntos tenemos el poder de tomar acciones individuales y de impulsar un cambio sistémico. Ven a tocar la capa de hielo de Groenlandia y deja que te toque. Transformemos el conocimiento climático en acción climática.
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2. Félix González Torres
Félix González Torres (1957 - 1996) fue un artista cubano, radicado en Estados Unidos, lugar donde desarrolló su obra. Lo más importante de su producción fueron sus instalaciones de estilo minimalista en las que utilizaba materiales de la vida cotidiana, como relojes, lápices, dulces, etc.
Su estilo se caracterizó por el uso de metáforas para referirse a sentimientos de carácter universal con los que el público puede empatizar.
En el MOMA de Nueva York se encuentra Sin título (Amantes perfectos) (1991), una instalación que se destaca por su simpleza, pero también por el bello mensaje que encierra. Es una obra que se refiere al amor, a la pérdida y al luto. El artista montó dos relojes a la hora en que murió su pareja, Ross Laycock. Así, cada uno de ellos los representaba. Con el tiempo, inevitablemente, van perdiendo la sincronía, aumentando así la distancia que los separa.
Al año siguiente, creó otra obra en homenaje a su amor desaparecido. En Sin título (Retrato de Ross in LA) dispuso 79 kilos de dulces, haciendo referencia al peso de Laycock. Lo interesante de esta instalación es que cada vez fue cambiando de disposición, pues dependía de dónde fuese expuesta y cómo interactuaba el público con ella.
A los espectadores se les invitaba a tomar los caramelos para llevárselos o reacomodarlos. Así, el artista buscaba representar cómo funciona la pérdida a través del tiempo. Puede ir encontrando nuevas formas y adaptarse, pero jamás desaparece.
Tal como su pareja, González Torres murió por complicaciones debido al sida en 1996. Fue de los primeras voces en el mundo del arte en hablar del tema de manera directa.
Performance
Marina Abramović
Marina Abramović (Serbia, 1946) se ha destacado por sus provocadoras performances en las que se convirtió a sí misma en objeto artístico. Su carrera comenzó en la década del 70. Su estilo se caracterizó por el desafío y por querer indagar en la relación entre el artista y la audiencia. En sus palabras: "la primera vez que puse el cuerpo ante el público, comprendí que era mi soporte".
En 1974 realizó una de sus performances más osadas y que, además, le reveló la oscuridad que encierra el ser humano. Cansada de ser catalogada como exhibicionista y masoquista, planteó Ritmo 0, en donde el público debía interactuar directamente con su cuerpo, mientras ella funcionaba como un lienzo en blanco.
En el Estudio Morra de Nápoles (Italia) se presentó durante seis horas. Se encontraba de pie e inmóvil. Sobre una mesa había 72 objetos junto a un cartel que decía "pueden hacerme lo que quieran. Soy un objeto. Me hago responsable de todo lo que pueda suceder en este espacio de tiempo".
De este modo, Abramović se entregó al público como si fuese una muñeca. El objetivo era comprobar cómo reaccionarían las personas frente a la posibilidad de disponer de un ser humano como si fuese un juguete.
Había dos categorías, los objetos de placer, como perfume, flores y plumas; y los objetos de destrucción con cuchillos, tijeras, hojas de afeitar y hasta una pistola.
Al principio, fue todo bastante inocente, le hacían cambiar de pose, le daban flores y la besaban. Sin embargo, después de la tercera hora, las cosas tomaron un giro siniestro: fue atada, le quitaron la ropa, le clavaron espinas e, incluso, un hombre la acuchilló. Luego de terminada su presentación, declaró:
Esto muestra a qué velocidad puede alguien decidirse a herirte cuando está autorizado. Esto muestra hasta qué punto es fácil deshumanizar a alguien que no se defiende. Esto muestra que la mayor parte de la gente 'normal' puede volverse muy violenta en público si se les da la posibilidad.
En 1976 se trasladó a vivir a Amsterdam donde conoció al artista alemán Frank Uwe Laysiepen, más conocido como Ulay. Comenzaron una relación amorosa que se tradujo en una colaboración que duró más de una década y produjo algunos de sus trabajos más interesantes.
Como equipo quisieron explorar los límites del cuerpo, por lo que decidieron jugar consigo mismos. En 1977 realizaron "Inhalando/Exhalando". La performance fue representada dos veces, en Belgrado y Ámsterdam. Así, taparon sus fosas nasales y juntaron sus bocas. La idea era sólo inspirar el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible.
Ambos cayeron inconscientes al piso. Con ello, buscaban exponer las trampas de las relaciones modernas, pues un individuo es capaz de consumir y destruir al otro.
El año 2010, el MOMA realizó una retrospectiva de la obra de la artista. Consistía en videos, fotografías y documentos que registraban los trabajos realizados a lo largo de cuatro décadas. Allí decidió hacer una nueva performance en la que se encontraba sentada e inmóvil en el atrio del museo. El público era invitado a sentarse y compartir junto a la artista, sentir su presencia. La acción fue una de las más largas de su carrera, pues durante ocho horas al día, en un periodo de tres meses, se dedicó a esta actividad.
Pintura
1. Zeng Fanzhi
Zeng Fanzhi (1964) es uno de los artistas chinos con más proyección internacional y uno de los mejores pagados en la actualidad. Se caracteriza por la creación de pinturas expresionistas en las que refleja la realidad de su país, al mismo tiempo que alude a la influencia de occidente.
Creció durante la Revolución Cultural en China y es por esto que su obra hace referencia a las dificultades que se vivieron en esos años. En sus palabras:
Cuando era joven, la vida era tan dura que era difícil pensar en el futuro. En ese tiempo, lo más importante era llegar a final de mes y poder alimentarnos.
Tras realizar estudios en la Academia de Bellas Artes de Hubei, decidió especializarse en la pintura al óleo. Sus principales influencias son Paul Cézanne, Willem de Kooning y Lucian Freud.
Con el tiempo fue desarrollando un estilo propio y cobró fama con su serie Máscaras, que se destacó al presentar personajes que se esconden tras una máscara. Asimismo, sus manos resultan exageradamente desproporcionadas en comparación al resto de sus cuerpos.
Aquí, en Máscara N°1 (1999) se puede observar un retrato típico de un hombre que pertenece al régimen chino. Esto puede notarse en el pañuelo y símbolo rojo de su brazo derecho. A pesar de que cubre su rostro, el dolor y la angustia son imposibles de ocultar y caen gruesas lágrimas de unos ojos que parecen ya no tener vida.
La última cena (2001) es uno de sus cuadros más famosos. En él hace referencia a la obra de Leonardo Da Vinci, usando la misma composición y distribución de personajes.
En este caso, los protagonistas provienen de la época moderna y poseen las típicas características de su serie Máscaras. Por ello, tienen pañuelos rojos que aluden al comunismo, manos excesivamente grandes y máscaras de estilo chino que cubren sus rostros. A diferencia del original, la cena se caracteriza por su frugalidad.
La obra se vendió el año 2013 en 23 millones de dólares, convirtiendo a Fanzhi en uno de los artistas más cotizados del mundo.
2. Guillermo Lorca García
Guillermo Lorca García (1984) es un artista chileno que se distingue por la creación de lienzos en los que habita un universo mágico. En una época de instalaciones y obras en las que predominan las ideas, el joven decidió volver al óleo clásico. Así, se pueden encontrar niños y animales en un estilo barroco en el que se contraponen la belleza y lo perturbador.
Se ha hecho reconocido por sus cuadros gigantes (hasta tres metros) y por su virtuosismo pictórico, ya que hay un enorme trabajo en composiciones donde predominan los colores, además del uso de luz y de sombra.
Tiene un estilo bastante particular en el que se cruzan las técnicas de la pintura realista e imágenes surrealistas. Por ejemplo, en su cuadro Las jardineritas del año 2021, se pueden ver dos niñas en un jardín de ensueño, pues hay mariposas gigantes, junto a flamencos y otros animales exóticos de muchos colores.
Con respecto al tipo de personajes que usualmente utiliza, en una entrevista afirmó:
Para mí, los niños y los animales juntos me hacen sentido; se podría decir que sus ‘almas’ se parecen más. Es donde están las emociones más poderosas. Creo que los personajes representan distintas partes de nuestra naturaleza, como pasa con los cuentos de hadas, los mitos y leyendas.
Por su parte, el hecho de que el cabello de una de las chicas sea azul o que haya un tigre rosado, funciona como un recurso para crear escenas mágicas en que habitan criaturas sin tiempo. Asimismo, reconoce que los animés japoneses que veía en su infancia fueron una inspiración para el ideal de belleza que plantea.
El pintor se refiere a su obra como la interacción entre opuestos. Así como hay inocencia y belleza, también se puede encontrar la amenaza, la violencia y la muerte. Aquello es lo que le otorga el efecto poético a sus cuadros.
En La cama inglesa (2021) se puede ver una incursión más realista hacia lo retratado. Ya no hay colores ni la sensación de un mundo mágico. Se puede ver a una joven que mira directamente al espectador y, tras ella, un tigre que pareciera querer devorarla. Lorca afirma que esta temática tiene que ver con fantasías infantiles. Aunque también se pueden hacer asociaciones simbólicas, ya que usualmente lo salvaje se relaciona con lo erótico.
Fotografía
1. Cindy Sherman
Cindy Sherman (Estados Unidos 1954) es una de las fotógrafas más reconocidas a nivel internacional. La artista decidió utilizarse a sí misma como vehículo, al ser modelo y autora de sus imágenes.
De este modo, suele recurrir al disfraz, al maquillaje y a la escenografía, inventando un universo de juego y apariencia. Así, se convierte en sujeto y objeto de su obra, logrando subvertir los roles que se le atribuían a su sexo, como la pasividad.
Entre 1977 y 1980, Sherman creó una serie llamada Untitled Film Still (Película sin título todavía). Son 80 fotografías en blanco y negro, de idéntico formato, con las que saltó a la fama internacional. En la número 7, se puede ver a una mujer recién levantada, con medias blancas, camisa de dormir y lentes de sol. Parece ser sorprendida por la cámara, mientras avanza con una copa de Martini en su mano izquierda.
Aquí buscaba jugar con la representación de la mujer presente en los medios de comunicación. Se trata de mostrar la feminidad y sus estereotipos, tal como lo hacía en aquellos años la propaganda y el cine.
Por ello, imita escenas de películas ficticias en las que personifica a jóvenes atractivas en poses sugerentes, justo en medio de una escena. Decide copiar el estilo de los años 50 y 60, en donde la mujer se veía como un objeto decorativo, sensual e idealizado.
Sherman no sólo hace de modelo, sino que se encarga de la escenografía, el vestuario y los accesorios. Asimismo, está a cargo del proceso técnico, como se puede ver en Película sin título todavía #6. Allí, a la izquierda, se asoma un cable que permite visibilizar la calidad de artificio de la imagen.
La artista buscaba apropiarse de la falsa representación que circulaba en aquellos años sobre el sexo femenino. Utilizando los mismos mecanismos del discurso oficial, quería darle una vuelta y hacer reflexionar al público.
A partir de la década de los 80, sus fotografías dejan de ser protagonizadas por ella y le cede el paso a muñecos y miembros anatómicos artificiales. De esta época proviene su serie, Retratos históricos, inspirados en obras clásicas. Tomando el estilo de los retratos renacentistas, crea obras que altera para provocar un efecto inquietante. En Sin título (1989) muestra a una mujer que sigue el prototipo de la madre. Exagera ese mensaje al añadir un seno de goma, mientras sostiene a un niño envuelto en una manta blanca.
2. Ángela Burón
Angela Burón es una joven fotógrafa española que ha cobrado relevancia por sus imágenes surrealistas en las que ella misma actúa de modelo. Su tema central es el cuerpo, dispuesto de maneras nuevas e inesperadas gracias al uso de Photoshop. De esta forma, crea una nueva realidad en la que ya no es posible distinguir un principio ni final y, así, la figura humana se convierte en una expresión de lo infinito.
En su obra se encuentran partes de cuerpos, un universo desordenado de brazos, piernas y manos. Estos elementos se acomodan de forma sorprendente, mientras habitan espacios cotidianos, como interiores de casas sencillas o simplemente una cama. Esta reorganización permite que el espectador pueda replantearse cómo entiende y observa la realidad.
Asimismo, decide jugar con la materialidad del cuerpo y su cualidad de instrumento, haciendo referencia a artistas de la performance que surgieron en la década del 70.
Bibliografía
- Márquez, Mónica. (2019). "Guillermo Lorca: barroco contemporáneo". Revista Metal.
- Grosenick, Uta. (2005). Mujeres artistas de los siglos XX y XXI. Taschen.
- Hodge, Susie. (2020). Breve historia de las mujeres artistas. Blume.
- Holzwarth, Hans Werner y Taschen, Laszlo (Eds.). (2011). Arte Moderno. Una historia desde el impresionismo hasta nuestros días. Taschen.
- Oppenheimer, Walter. (2012). "Damien Hirst o el arte de ganar (mucho) dinero". El País.
- Zeldes, Jason. (2019). Abstract. Temporada 2, capítulo 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art". Netflix.
- www.guillermolorca.com
- www.angelaburon.com
- www.fanzhiestudio.com
- Instagram de Greg Lansky
Ver también
