El arte del siglo XX se caracterizó por su ruptura con todas las formas establecidas por la academia y la tradición. De esta forma, surgieron diversos movimientos que exploraron nuevas maneras de abordar la creación artística.
El Land art es una corriente que produce obras que interactúan activamente con el ambiente y propone un nuevo concepto de arte que ya no necesita del circuito de museos y galerías para darse a conocer.
¿Qué es el Land art y cuándo surgió?
El Land art es un tipo de obra que surgió en la década de los 60 al alero del arte conceptual y minimalista. Su objetivo principal tiene que ver con alterar de forma artística el paisaje, mezclando escultura y arquitectura.
Así, se inauguró la idea de crear obras en espacios naturales o urbanos, en los que se explora la relación del individuo con el espacio.
Los artistas que trabajaron este estilo buscaban propagar una conciencia ecológica, en la que planteaban el respeto hacia la naturaleza, así como la necesidad de su unión con el ser humano.
Por ello, utilizaron elementos naturales para sus creaciones, como piedras, arena, agua e, incluso, aprovecharon fenómenos como el viento o las mareas.
Revisa aquí Arte conceptual: características y ejemplos y Arte minimalista: historia y ejemplos
Características principales
- Importancia de la locación: son obras que se instalan en ciertos lugares y no pueden ser trasladadas.
- Carácter efímero: se encuentran expuestas a las condiciones meteorológicas, por lo que muchas veces son de corta duración. Por ello, resulta de vital importancia el registro fotográfico y las grabaciones.
- Diferentes perspectivas: al recorrer una obra de arte en terreno, todo depende del ángulo y el punto de vista, creando un objeto mutable y abierto a la interpretación.
Obras destacadas
1. Embarcadero en espiral - Robert Smithson
Robert Smithson (Estados Unidos, 1938 - 1973) fue uno de los precursores del movimiento. Gracias a su mecenas, Virginia Dwan, pudo costear las monumentales y efímeras creaciones por las que se destacó a fines de los 60. Su obra Embarcadero en espiral se convirtió en el símbolo del Land art en sus años de inicio.
En abril de 1970 decidió utilizar el lago salado en el desierto de Utah como escenario. Allí, construyó con rocas, tierra y algas una figura en espiral que hace referencia a la idea de infinito.
Luego de finalizarla, el artista creó una película en la que analizaba sus influencias y explicaba cómo quiso indagar en el concepto de tiempo-espacio a través de su espiral. Así, remitía a la metáfora del laberinto, a la fluidez y relatividad de la existencia, en consonancia con teorías de fisica cuántica que remecieron el siglo XX.
2. Observatorio - Robert Morris
Robert Morris (Estados Unidos, 1931 - 2018) fue uno de los grandes exponentes del arte minimalista que surgió en la década del 60. También se dedicó a las performances y a explorar las posibilidades que otorgaba el creciente Land art.
En el marco de la exposicion colectiva internacional Sonsbeek 71 que se realizó en Holanda, presentó un proyecto de observatorio en el que se cruzaban la arquitectura y la escultura.
Para llevar a cabo su obra, buscó un sector en la periferia en Santpoort (Velsen). Construyó dos anillos concéntricos de tierra con aberturas orientadas hacia la puesta de sol en los solsticios de invierno y verano.
Luego, en 1977, el Museo Stedelijk de Amsterdam lo patrocinó para que pudiera construir nuevamente su observatorio en Oostelijk. Hoy, la obra se encuentra cubierta de pasto y esta integrada a la llanura.
Morris intentaba emular la sensación de movimiento de los observatorios prehistóricos con un enfoque temporal, centrado en los cuatro amaneceres que marcan los cambios de estación. En sus palabras:
La experiencia general de mi obra tiene mucho en común con el Neolítico y los complejos arquitectónicos orientales. Espacios cerrados, patios, senderos, líneas de visión, gradación, etc., subrayan que la obra proporciona una experiencia física para el cuerpo humano en movimiento.
Otro punto importante se encuentra relacionado con el emplazamiento, pues al estar en "tierra de nadie" se instala en el límite entre lo salvaje y lo habitado.
3. Cortina del Valle - Christo y Jeanne-Claude
Christo (Bulgaria, 1935 - 2020) y Jeanne-Claude (Marruecos, 1935 - 2009) fueron un matrimonio de artistas que se dedicaron a trabajar en conjunto realizando instalaciones en las que intervenían espacios públicos. Solían elegir sitios simbólicos para sus obras como el edifico del Reichstag en Alemania, el Pont Neuf en París o el Central Park de Nueva York.
En 1970 idearon cubrir un valle de Colorado con un telón de color naranja rojizo. La idea era obtener la mayor armonía posible con el entorno natural, aludiendo al significado de Colorado en español.
La instalación fue en la cordillera de Grand Hogback, en las montañas rocosas, cerca de una pequeña ciudad llamada Rifle. Los preparativos logísticos implicaron muchísima programación y papeleo. Tuvieron que solicitar permisos a las autoridades y establecer contratos con los dueños del terreno.
Por ello, crearon una empresa que pudiera recaudar los fondos necesarios. Asi surgió Valley Curtain Corporation que a través de dibujos, maquetas y collages del proyecto consiguió el dinero para llevar a cabo su plan.
Hubo un primer intento en octubre de 1971, pero no tuvo éxito. De este modo, se pospuso hasta1972. El 10 de agosto se instalaron 12 cables que sostenían 12.780 metros de nylon naranja.
Fue un espectáculo visual maravilloso. Lamentablemente, sólo duró 28 horas debido a las condiciones climáticas. Jan van der Mack, coordinador del proyecto, afirmó:
Con vientos de 20 nudos, la presion sobre la tela equivalía a la potencia necesaria para propulsar dos transatlánticos a toda máquina.
Así, su exposicion fue de carácter fugaz. Aunque les llevó 28 meses prepararlo, los artistas afirmaron que aquel tiempo formaba parte de la obra y que sentían como un privilegio haber podido llevar a cabo una apuesta tan grande.
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4. Adyacente, contra y sobre - Michael Heizer
Michael Heizer (1944) es un importante creador norteamericano que se hizo reconocido por su trabajo enfocado en la corriente del Land art en los 60 y 70. Su padre era arqueólogo y durante su infancia pasó varias temporadas en México, Perú y Egipto. Estas experiencias despertaron su amor por el "arte que deja huellas".
Con la ayuda de su mecenas, el coleccionista de arte Robert C. Scull, pudo realizar sus creaciones con elementos pesados como rocas. De este modo, pudo comprometerse con un arte que quería alejarse del circuito de espacios cerrados para así enfocarse en el trabajo directo con el paisaje.
A Heizer le gusta realizar creaciones que no sólo son monumentales, sino que también resultan elocuentes y juegan con la idea del arte conceptual.
En 1976 llevó a cabo esta obra en la que realizó tres esculturas a partir de rocas y lozas de granito que pesaban entre 30 y 50 toneladas. Fueron extraídas de la cordillera Cascade para luego ser instaladas en el desierto de Nevada.
En la primera escultura, "Adyacente", situó una roca y un bloque rectangular, uno al lado del otro. En "Contra" dispuso una piedra y una loza de granito de manera que chocaran entre sí. Finalmente, en "Sobre" acomodó una roca encima del monolito.
Así, quería experimentar con el concepto de la visualidad del lenguaje, al hacer alusión a las preposiciones, mostrándolas de manera directa.
5. Túneles de sol - Nancy Holt
Nancy Holt (Estados Unidos, 1938) es una pionera del Land Art, con grandes instalaciones que se sirven de los espacios naturales para plantear conceptos.
En1976 acomodó cuatro cilindros de hormigón en el desierto de Utah. Estas enormes esculturas fueron dispuestas para alinearse con la salida y la puesta del sol en los solsticios de verano e invierno, para así jugar con las capacidades visuales de la luz.
Además, su objetivo era desafiar la visión de "encuadre" de toda obra de arte. En este caso, el espectador puede mirar por los agujeros y, aunque tienen una visión recortada del mundo, va a ir cambiando dependiendo del clima, la hora y otros factores atmosféricos.
6. Campo de relámpagos - Walter de María
Walter de Maria (Estados Unidos, 1935 - 2013) fue un artista norteamericano que destacó por su trabajo conceptual. A mediados de la década del 70, creó un proyecto con barras de acero para ser dispuesto al aire libre. Necesitaba un terreno llano, solitario y que fuese escenario habitual de tormentas.
Estuvo cinco años buscando, hasta que en 1977 construyó Campo de relámpagos en Quemado, Nuevo México. Así, fijó verticalmente 400 varas de acero de 5 metros de altura sobre una superficie desértica de 1 km. de largo por 1,5 km. de ancho.
El objetivo era provocar un espectáculo artístico natural. En días claros, las varas reciben la luz del sol y brillan. Sin embargo, el verdadero arte ocurre cuando hay tormenta y los rayos alcanzan las barras metálicas. Como resultado, fue capaz de demostrar la fuerza de la naturaleza, además de plantear la necesidad de generar estados de armonía entre el ser humano y el medio ambiente.
La obra es propiedad de una fundación encargada de su gestión y mantenimiento. Se aceptan grupos de visitantes de máximo seis personas que deben pasar la noche en una cabaña dispuesta para poder observar el fenómeno a distintas horas.
En 1980, de Maria publicó un articulo en la revista Artforum en el que se refería a este trabajo. Allí afirmó que ninguna fotografía puede hacerle justicia a su obra, pues es una experiencia que debe ser experimentada.
7. Cascada - Olafur Eliasson
Olafur Eliasson (1967) es un creador danés-islandés al que le gusta desafiar los límites del espectador con obras efímeras en las que utiliza como protagonistas el agua, la luz y la neblina.
El año 2016 decidió intervenir un espacio icónico para la cultura occidental. En los jardines del Palacio de Versalles (Francia) instaló una cascada suspendida en el aire.
Eliasson trabaja con un equipo multidisciplinario entre el que se encuentran arquitectos, artesanos, ingenieros y diversos especialistas. Ya que su arte tiene que ver con la propuesta, para él debe ser una colaboración constante.
Gracias a la ayuda de una grúa y un sistema de agua logró esta exposición temporal en la que invitaba al público a cuestionar su relación con el espacio. Se trata de materializar la percepción de fenómenos naturales que se encuentran alejados de las zonas más transitadas por las personas.
El artista buscaba acercar algo que parece sencillo, pero que constituye una de las maravillas de la naturaleza. En el mundo actual en que el individuo se encuentra saturado de información, una intervención como esta busca reconectar con los orígenes.
Bibliografía:
- Echarri, Miquel. (2022). “Mi obra no es barata: quién es Michael Heizer, el artista que ha inaugurado un enorme parque de esculturas de 40 millones". El País.
- Hodge, Susie. (2020). Breve historia de las mujeres artistas. Blume.
- Holzwarth, Hans Werner y Taschen, Laszlo (Eds.). (2011). Arte Moderno. Una historia desde el impresionismo hasta nuestros días. Taschen.
- Zeldes, Jason. (2019). Abstract. Temporada 2, capítulo 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art". Netflix.
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