¿Qué es un poema en prosa?: ejemplos y características

Catalina Arancibia Durán

Máster en Literatura Española e Hispanoamericana

Tiempo de lectura: 19 min.

La poesía en prosa es una composición literaria que combina la expresividad y musicalidad propias de la poesía con la estructura continua y fluida de la prosa.

Así, en lugar de organizarse en líneas y estrofas, se presenta en párrafos. Esto permite una mayor libertad en la distribución del ritmo y el espacio, sin renunciar a la profundidad emotiva y al lenguaje poético.

1. El «yo pecador» del artista - Charles Baudelaire

¡Cuán penetrante es el final del día en otoño! ¡Ay! ¡Penetrante hasta el dolor! Pues hay en él ciertas sensaciones deliciosas, no por vagas menos intensas; y no hay punta más acerada que la de lo infinito.

¡Delicia grande la de ahogar la mirada en lo inmenso del cielo y del mar! ¡Soledad, silencio, castidad incomparable de lo cerúleo! Una vela chica, temblorosa en el horizonte, imitadora, en su pequeñez y aislamiento, de mi existencia irremediable, melodía monótona de la marejada, todo eso que piensa por mí, o yo por ello -ya que en la grandeza de la divagación el yo presto se pierde-; piensa, digo, pero musical y pintorescamente, sin argucias, sin silogismos, sin deducciones.

Tales pensamientos, no obstante, ya salgan de mí, ya surjan de las cosas, presto cobran demasiada intensidad. La energía en el placer crea malestar y sufrimiento positivo. Mis nervios, harto tirantes, no dan más que vibraciones chillonas, dolorosas.

Y ahora la profundidad del cielo me consterna; me exaspera su limpidez. La insensibilidad del mar, lo inmutable del espectáculo me subleva... ¡Ay! ¿Es fuerza eternamente sufrir, o huir de lo bello eternamente? ¡Naturaleza encantadora, despiadada, rival siempre victoriosa, déjame! ¡No tientes más a mis deseos y a mi orgullo! El estudio de la belleza es un duelo en que el artista da gritos de terror antes de caer vencido.

Charles Baudelaire (Francia, 1821 - 1867) es uno de los escritores más importantes de la época moderna.

Como en la poesía tradicional, aquí se exploran sentimientos, sensaciones y una visión del mundo cargada de simbolismo. No obstante, la elección del formato en prosa le permite al autor desarrollar ideas complejas sin verse restringido por la métrica o la rima, favoreciendo una fluidez discursiva.

El autor mantiene una cadencia, un ritmo y una musicalidad muy cuidados, fruto de la elección precisa de las palabras y de la construcción de imágenes sensoriales intensas.

El poema destaca el momento del ocaso, que no sólo se percibe visualmente, sino que llega a ser “penetrante hasta el dolor”. Esta imagen inicial ya establece un tono de sensibilidad extrema en el que la naturaleza se convierte en espejo de la emoción humana.

Así, el final del día es presentado como un momento de transición cargado de significados. El atardecer se funde en la idea de lo infinito y lo sublime.

Por ello, el cielo y el mar son presentados como símbolos de lo inmenso y lo inmutable. Actúan como reflejos del estado interior del poeta, que se debate entre la admiración y la angustia ante la belleza inabarcable.

Por su parte, la vela en el horizonte, aparentemente frágil y aislada, se asocia a la existencia, marcada por la soledad y la vulnerabilidad.

De este modo, el centro del texto es el conflicto del artista, que oscila entre la fascinación por la belleza y el sufrimiento que le provoca.

Además, el hablante destaca la dicotomía entre la permanencia de la naturaleza y la fugacidad de la existencia humana. La “profundidad del cielo”, el “silencio” y el “espectáculo inmutable” del mar simbolizan fuerzas eternas y constantes. Ante esto, el sujeto se siente pequeño, aislado y “tembloroso”, como si su propia existencia no pudiera competir con la inmensidad que lo rodea.

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2. La espera - Luis Oyarzún

EL hombre vive desterrado siempre y su alma suspira como una prisionera, ambicionando la libertad sin término, los juegos absolutos. Mas, bendigamos las murallas que nos detienen, porque nos permiten hacernos poderosos para el día de !a gran tormenta y preservar nuestra fortaleza solitaria. Defendamos así, en época de ceguera y cautiverio, la integridad de nuestras fuerzas para que la muerte no nos toque en la hora del caos. Mira cómo cada año los árboles se cubren de hojas y muestran al sol su lucha contra el cielo, que pugna, como a los humanos, por ganarlos para la libertad sin nombre. Mira cómo el poder de la primavera promete a lo creado horas mejores: cómo suaviza a las aguas y les infunde su delicado temblor, cómo penetra al espíritu dormido en los metales, interrumpiendo el letargo de la vida, y cómo el oro, en sus remotas entrañas, la recibe llorando. Y todos ellos vivían en activa espera, sin desmayo. Mira cómo el espíritu se evade y conquista lo que lo rodea, después de prolongada paciencia de sus facultades. La rosa solitaria lleva al cielo los dulces efluvios de su alma y conquista para sus huestes de bondad los dominios lejanos. Todo está en esperar. Un día tendrás en tu poder la inspiración del mundo, verdadera por fin. Y la habrás conseguido esperando.

Luis Oyarzún (Chile, 1920 - 1972) es un destacado poeta latinoamericano en cuya obra explora lo cotidiano.

El texto se organiza de manera fluida, sin el uso de versos, lo que permite una exposición ininterrumpida del pensamiento. Esto funciona de manera perfecto para el carácter meditativo y existencial.

El poema inicia con una reflexión sobre el hombre, que "vive desterrado siempre" y cuya "alma suspira como una prisionera". Esta imagen sitúa al individuo en un estado perpetuo de exilio y anhelo, en el que la libertad se presenta como un ideal inalcanzable.

La idea de esperar se vuelve central, no como una pasividad resignada, sino como una preparación activa y consciente para el momento preciso.

Por ello, las limitaciones y los obstáculos son vistos como elementos que, en su aparente negatividad, forjan la capacidad y el poder necesario para enfrentar el caos y la adversidad.

Así, cada contratiempo contribuye a la construcción de una fortaleza interior que, a su debido tiempo, se manifestará en un cambio radical.

El hablante recurre a imágenes de la naturaleza para ilustrar la lucha y la esperanza. Los árboles que "se cubren de hojas" y la promesa del poder de la primavera simbolizan la renovación constante de la vida y la capacidad de la naturaleza para luchar y transformarse.

Finalmente, la espera se presenta como el proceso indispensable para alcanzar un momento de iluminación y realización, en el que el esfuerzo y la perseverancia se ven recompensados.

3. Hallazgo de la vida - César Vallejo

¡Señores! Hoy es la primera vez que me doy cuenta de la presencia de la vida. ¡Señores! Ruego a ustedes dejarme libre un momento, para saborear esta emoción formidable, espontánea y reciente de la vida, que hoy, por la primera vez, me extasía y me hace dichoso hasta las lágrimas.

Mi gozo viene de lo inédito de mi emoción. Mi exultación viene de que antes no sentí la presencia de la vida. No la he sentido nunca. Miente quien diga que la he sentido. Miente y su mentira me hiere a tal punto que me haría desgraciado. Mi gozo viene de mi fe en este hallazgo personal de la vida, y nadie puede ir contra esta fe. Al que fuera, se le caería la lengua, se le caerían los huesos y correría el peligro de recoger otros, ajenos, para mantenerse de pie ante mis ojos.

Nunca, sino ahora, ha habido vida. Nunca, sino ahora, han pasado gentes. Nunca, sino ahora, ha habido casas y avenidas, aire y horizonte. Si viniese ahora mi amigo Peyriet, les diría que yo no le conozco y que debemos empezar de nuevo. ¿Cuándo, en efecto, le he conocido a mi amigo Peyriet? Hoy sería la primera vez que nos conocemos. Le diría que se vaya y regrese y entre a verme, como si no me conociera, es decir, por la primera vez.

Ahora yo no conozco a nadie ni nada. Me advierto en un país extraño, en el que todo cobra relieve de nacimiento, luz de epifanía inmarcesible. No, señor. No hable usted a ese caballero. Usted no lo conoce y le sorprendería tan inopinada parla. No ponga usted el pie sobre esa piedrecilla: quién sabe no es piedra y vaya usted a dar en el vacío. Sea usted precavido, puesto que estamos en un mundo absolutamente inconocido.

¡Cuán poco tiempo he vivido! Mi nacimiento es tan reciente, que no hay unidad de medida para contar mi edad. ¡Si acabo de nacer! ¡Si aún no he vivido todavía! Señores: soy tan pequeñito, que el día apenas cabe en mí!

Nunca, sino ahora, oí el estruendo de los carros, que cargan piedras para una gran construcción del boulevard Haussmann. Nunca, sino ahora avancé paralelamente a la primavera, diciéndola: «Si la muerte hubiera sido otra...». Nunca, sino ahora, vi la luz áurea del sol sobre las cúpulas de Sacre-Coeur. Nunca, sino ahora, se me acercó un niño y me miró hondamente con su boca. Nunca, sino ahora, supe que existía una puerta, otra puerta y el canto cordial de las distancias.

¡Dejadme! La vida me ha dado ahora en toda mi muerte.

El autor peruano César Vallejo (1892 - 1938) fue uno de los grandes renovadores de la poesía moderna. En su obra se dedicó a experimentar con las capacidades estéticas y plásticas del lenguaje, sumándose a las corrientes vanguardistas del periodo.

El poema se inicia con una exclamación enfática: “¡Señores! Hoy es la primera vez que me doy cuenta de la presencia de la vida.”

Esta apertura introduce al lector en un viaje existencial en el que el hablante anuncia el descubrimiento, de manera radical y repentina, de aquello que siempre había estado implícito en su existencia: la vida.

La experiencia descrita se presenta como algo inédito y transformador, que obliga a redefinir la relación con el tiempo, el espacio y sus propias relaciones.

Este hallazgo se vive como un despertar, similar al de un recién nacido que contempla el mundo por primera vez. La declaración “nunca, sino ahora” se repite a lo largo del poema, subrayando la idea de que la vida se experimenta de forma auténtica y plena únicamente en el presente, en un instante de revelación personal.

Así, cada elemento cotidiano se transforma en un signo de la vida redescubierta, dotado de una epifanía que lo hace casi sagrado. De esta manera, se invita a reconocer la transformación del paisaje y de la existencia en su conjunto, sugiriendo que la vida se renueva en cada detalle del mundo.

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4. XXXVII - Teresa Wilms Montt

Nada. Cansada de correr por los espacios y de penetrar en los subterráneos del
mundo, en un un afán de olvidarme de mí misma, termino en mi propio corazón.

Olvidarse a sí misma como se olvida el loco de su vida actual, dedicando la
mente a lo que se ha ido.

¿Cómo arrancar la pena del alma? ¿Cómo borrar el pasado?
¿Dónde encontrar la dulzura, si su fuente se ha secado para mí?
¿Dónde encontrar la felicidad, si me está vedado pasar las puertas de su jardín?
¿Dónde encontrar la calma, si la muerte no se acuerda de mí?
Si mis brazos se alargasen tanto como mi martirio, atravesando montañas,
podrían alcanzar la dicha.
¡Nada!... Inútil los esfuerzos de mi mente por elevarse a los espacios. ¡Nada
logra estrangular la voz del corazón!

Teresa Wilms Montt (1893 - 1921) fue una poeta chilena poco reconocida en su país. Debido a las condiciones sociales de la época, su escritura fue coartada y sólo logró ser publicada en Argentina y España en ediciones poco difundidas.

El poema se abre con una declaración contundente: “Nada.” Esta palabra, repetida a lo largo del texto, actúa como leitmotiv y resume el sentimiento de anulación o fracaso ante los esfuerzos del hablante lírico por escapar de su propio dolor.

Se describe la lucha del por evadirse de un pasado que no se puede borrar. El regreso al propio corazón, a pesar de los esfuerzos por escapar, simboliza la inevitabilidad de enfrentar las emociones.

Por ello, cuestiona dónde encontrar “la dulzura”, “la felicidad”, o “la calma” cuando todas las fuentes que podrían nutrirlas se han agotado o le son vedadas.

Así, el texto se presenta como una confesión, donde se dialoga internamente, cuestionándose y reconociendo la imposibilidad de cambiar su estado. La repetición de interrogantes sin respuestas refuerza el tono de introspección y desesperanza.

5. 14 - Oliverio Girondo

Mi abuela —que no era tuerta— me decía:

“Las mujeres cuestan demasiado trabajo o no valen la pena. ¡Puebla tu sueño con las que te gusten y serán tuyas mientras descansas!

“No te limpies los dientes, por lo menos, con los sexos usados. Rehúye, dentro de lo posible, las enfermedades venéreas, pero si alguna vez necesitas optar entre un premio a la virtud y la sífilis, no trepides un solo instante: ¡El mercurio es mucho menos pesado que la abstinencia!

“Cuando unas nalgas te sonrían, no se lo confíes ni a los gatos. Recuerda que nunca encontrarás un sitio mejor donde meter la lengua que tu propio bolsillo, y que vale más un sexo en la mano que cien volando.”

Pero a mi abuela le gustaba contradecirse, y después de pedirme que le buscase los anteojos que tenía sobre la frente, agregaba con voz de daguerrotipo:

“La vida —te lo digo por experiencia— es un largo embrutecimiento. Ya ves en el estado y en el estilo en que se encuentra tu pobre abuela. ¡Si no fuese por la esperanza de ver un poco mejor después de muerta!…

“La costumbre nos teje, diariamente, una telaraña en las pupilas. Poco a poco nos aprisiona la sintaxis, el diccionario, y aunque los mosquitos vuelen tocando la corneta, carecemos del coraje de llamarlos arcángeles. Cuando una tía nos lleva de visita, saludamos a todo el mundo, pero tenemos vergüenza de estrecharle la mano al señor gato, y más tarde, al sentir deseos de viajar, tomamos un boleto en una agencia de vapores, en vez de metamorfosear una silla en transatlántico.

“Por eso —aunque me creas completamente chocha— nunca me cansaré de repetirte que no debes renunciar ni a tu derecho de renunciar. El dolor de muelas, las estadísticas municipales, la utilización del aserrín, de la viruta y otros desperdicios, pueden proporcionarnos una satisfacción insospechada. Abre los brazos y no te niegues al clarinete, ni a las faltas de ortografía. Confecciónate una nueva virginidad cada cinco minutos y escucha estos consejos como si te los diera una moldura, pues aunque la experiencia sea una enfermedad que ofrece tan poco peligro de contagio, no debes exponerte a que te influencie ni tan siquiera tu propia sombra.

“¡La imitación ha prostituido hasta a los alfileres de corbata!”

Oliverio Girondo (1891 - 1967) fue uno de los poetas más innovadores del siglo XX y una figura muy importante en su natal Argentina. Su obra se caracteriza por el uso del surrealismo, con un tono irónico y lúdico.

El poema se desenvuelve en párrafos continuos, sin la división en versos y estrofas que caracteriza a la poesía tradicional. Esto permite que el autor pueda desplegar su discurso de forma fluida y sin restricciones métricas, dando paso a una cadencia particular que se asimila al ritmo de la conversación.

El texto gira en torno a la figura de la abuela, que en un tono coloquial y lleno de contradicciones ofrece una serie de consejos y reflexiones. Esta alternancia de tonos y la mezcla de lo cotidiano con lo absurdo refuerzan el carácter lúdico.

La estructura fragmentada y el encadenamiento de ideas contradictorias (como en “no te limpies los dientes, por lo menos, con los sexos usados") subrayan un estilo satírico y de humor irreverente.

El consejo de “no trepides un solo instante: ¡El mercurio es mucho menos pesado que la abstinencia!” juega con la idea de que la liberación y el disfrute deben primar sobre las restricciones impuestas por la moral o la tradición.

Asimismo, frases como “vale más un sexo en la mano que cien volando” parodian refranes tradicionales. Esto evidencia una crítica a las fórmulas preestablecidas y a la hipocresía social en torno a la sexualidad.

El hablante lírico anima al lector a ser diferente. En palabras de la abuela dice “confeccionarte una nueva virginidad cada cinco minutos”, lo que sugiere la necesidad de reinventarse constantemente y de no dejarse atrapar por patrones fijos, abogando por una existencia dinámica y siempre abierta a la transformación.

Origen

En la antigüedad, obras filosóficas y religiosas a menudo utilizaban un lenguaje altamente simbólico y estético. Aunque se escribían en prosa, muchas de estas composiciones buscaban transmitir una intensidad lírica similar a la que se encuentra en la poesía, marcando una línea temprana de fusión entre ambos modos de expresión.

El desarrollo de la poesía en prosa se hizo más evidente en el siglo XIX. Los escritores comenzaron a romper con las convenciones clásicas y a explorar nuevas formas de expresión que se ajustaran a la complejidad de la época moderna.

Sin duda, Charles Baudelaire fueuno de los precursores más influyentes. Con su obra "Le Spleen de Paris" (publicada en 1869), plasmó en prosa lo que la poesía tradicional expresaba en versos.

Su intención era capturar la fugacidad, la melancolía y la modernidad de la vida urbana, demostrando que la prosa podía albergar la densidad y musicalidad propias de la poesía.

La búsqueda de nuevas formas de expresión llevó a otros movimientos, como el simbolismo y el decadentismo, a experimentar con el lenguaje y la estructura.

De este modo, los límites entre prosa y poesía se volvieron más difusos, permitiendo a los autores utilizar un lenguaje más libre y subjetivo. Este espíritu de experimentación abrió el camino para que la poesía en prosa se consolidara como una alternativa válida y estéticamente rica.

Durante el siglo XX, encontró un terreno fértil en el marco de las vanguardias literarias. Escritores de distintas corrientes y culturas adoptaron este formato para expresar la fragmentación de la experiencia y la búsqueda de nuevas formas de representar la realidad.

Más adelante, la modernidad literaria se caracterizó por la hibridación de géneros. En este contexto, la poesía en prosa se benefició de la flexibilidad formal, integrando elementos narrativos y descriptivos.

Características

Estructura en párrafos:
La obra se organiza en párrafos continuos, sin saltos de línea obligatorios que marquen el inicio o final de un verso, lo que permite un flujo narrativo más libre.
Lenguaje lírico y simbólico:
Emplea metáforas, símbolos y un ritmo interno que recuerda a la poesía tradicional, buscando despertar emociones y sensaciones intensas en el lector.
Economía y densidad expresiva:
Aunque se extiende en párrafos, cada palabra o frase está cuidadosamente elegida para transmitir múltiples significados.
Musicalidad interna:
Aun sin depender de la métrica fija, la selección de palabras y la cadencia de las frases generan un ritmo que puede ser tan envolvente como el de un poema en verso.

Ver también: