7 obras emblemáticas de Andy Warhol


Andrea Imaginario
Andrea Imaginario
Licenciada en Artes y magíster en Literatura Comparada

Andy Warhol es considerado el padre del arte pop, movimiento artístico surgido a mediados del siglo XX que incorporó los temas de la cultura de masas al repertorio de las artes y rompió el aura de intelectualidad con que el arte era asumido, especialmente después de movimientos como el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. 

Warhol fue un artista provocador y escandaloso, nada preocupado en ocultar su interés por el dinero. Su genialidad estuvo en la capacidad para romper los estereotipos artísticos, aplicar al arte criterios de la comunicación publicitaria y develar la hipocresía del campo de las artes. 

En este artículo te invitamos a realizar un recorrido por las obras más emblemáticas del autor que marcaron un antes y un después en la historia del llamado arte contemporáneo. Estas obras han dado pie a numerosas e inagotables discusiones sobre el papel y la función del arte en los tiempos actuales. 

Serie Latas de Sopa Campbell's

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Latas de sopa Campbell's. Serigrafía y polímero sintético sobre tela. 1962. 

¿Quién dijo que una lata de sopa puede ser un tema artístico? Esa fue una de las primeras polémicas que despertó Andy Warhol con esta obra provocadora. Desde la reproducción individual de la sopa hasta la conformación de la serie, Warhol se sitúa irónicamente frente a la realidad de la sociedad de consumo y frente a la comunidad artística que no quiere enfrentarla.

Si el arte debe representar la realidad simbólica o la condición humana, ¿por qué se niega a reconocer la marca omnipresente de la industria y la cultura de consumo en la sociedad? ¿No es acaso la cultura de consumo una realidad de costumbres para los años 60? Después de todo, el propio Warhol afirmó que comió esta sopa a diario por 20 años. 

Este objeto de consumo, un alimento industrializado nada poético, se volvió un tema de discusión en la escena cultural. Pero el atrevimiento de Warhol no estuvo solo en el tema elegido. También lo fue el modo de representación y la técnica utilizada: una reproducción de imágenes en serie partiendo de la serigrafía.

Con esto, Warhol estaría dando un golpe a dos grandes puntos claves del mundo de las bellas artes: la trascendencia del tema y el valor del objeto artístico "único" y "original". 

Serie Marilyn Monroe

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Serie Marilyn Monroe. Serigrafía. 1967. 

En 1962 Marilyn Monroe murió en la plenitud de su juventud. Marilyn se había convertido en un ícono de la cultura pop norteamericana, y ejercía una enorme influencia en el imaginario social. Pero no por ello Marilyn fue plenamente valorada. Al contrario. 

Warhol inicia una serie de retratos de Marilyn Monroe aplicando la técnica de la serigrafía, en la que de una imagen original se imprimen las siguientes. Mientras más veces se reproduce la imagen, más se desdibuja o se deforma.

Así, Warhol pone en evidencia la gran hipocresía del mundo de Hollywood: Marilyn fue un ícono destruido a través de la exposición reiterada de su belleza como supuesto valor único. 

Ver también: Pop art o arte pop: características, artistas y obras más importantes

Autorretrato

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Autorretrato. Serigrafía, 1967. 

Warhol pasó muchos años de su vida obsesionado por hacer dinero, y eso le llevó a pretender imponerse en el mundo artístico aplicando las reglas de la publicidad y desconociendo deliberadamente las reglas del arte convencional.

Así, Warhol se trató a sí mismo como un ícono de la cultura pop a través de una serie de autorretratos como se muestra en la imagen. Sin embargo, el autor aplicó diferentes conceptos y técnicas de autorretrato a lo largo de su vida. 

Race Riot

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Race Riot. Pintura acrílica y serigráfica sobre cuatro paneles de lino. 1964.

La mayor parte de los temas explorados por Warhol tenían que ver con los símbolos de la cultura pop, a los que reivindica como temas de representación. Esta característica le hizo ganar fama de superficial, pero Warhol no era una personalidad desentendida de lo que ocurría a su alrededor.

Tras los enfrentamientos raciales del año 1963, Warhol interviene una serie de imágenes provocadoras donde denuncia la hipocresía de una nación que dice defender la igualdad pero sigue dando signos de discriminación racial.

Para ello, Warhol reproduce una fotografía de los acontecimientos y la interviene con los colores azul, rojo y blanco, propios de la bandera norteamericana. El gesto sería frontal: si la cultura norteamericana está representada por la sopa y por Marilyn, también la discriminación. 

Para realizar esta obra, Warhol se apropió de una fotografía de Charles Moore publicada en la revista Life, lo cual supuso una demanda por infracción de derechos de autor. 

En realidad, esta imagen, así como El nacimiento de Venus después de Botticelli o sus versiones de la Mona Lisa delatan uno de los elementos constitutivos del arte contemporáneo desde que el pop art transformara el mundo de las bellas artes: apropiarse de los símbolos disponibles en el entorno para conferirles un nuevo significado. 

Mao Tse-Tung

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Serie Mao Tse-Tung. Serigrafía. 1972-1973.

Los años sesenta corresponden al período de la Guerra Fría, cuando el mundo vivía la amenaza de un posible enfrentamiento nuclear entre los países capitalistas y comunistas. Para entonces, la izquierda radical tenía muchos adeptos en las filas de la intelectualidad de Occidente, pero también empezaban a conocerse los terribles crímenes ocurridos puertas adentro en los países comunistas. 

Además de tomar la imagen de artistas consagrados e intervenirlos con sus técnicas de reproducción, Warhol también acostumbraba tomar la imagen de figuras públicas no artísticas y las incorporaba al "panteón" de los íconos pop, bien para subrayar su consagración, bien para ironizar y transgredir la significación. 

Un acontecimiento político despertó el interés de Warhol en representar al líder del comunismo chino: justo en el año 1972, aún en el contexto de la Guerra Fría, el presidente Richard Nixon decidió visitar Pekín con el fin de aproximarse a China y abrir un proceso de negociaciones. Warhol vería en este acercamiento una oportunidad artística. Tomó la imagen del célebre Libro rojo, la reprodujo y la intervino. 

Para entonces, ya Warhol había hecho lo propio con figuras del mundo político como Jackie y J. F. Kennedy, el Che Guevara. 

Calavera 

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Calavera. Serigrafía y acrílico sobre lienzo. 1976.

En los años 70 Warhol desarrolló una serie de calaveras (Skulls) aplicando las técnicas que ya había desarrollado en la década anterior. Siendo Warhol un artista tan enfocado en los íconos pop, llamó la atención de la crítica cuando hizo pública esta serie. 

Los expertos desarrollaron diferentes explicaciones para comprender la aparición de este tema dentro del contexto pop del artista. Una de estas explicaciones se fundamenta en un acontecimiento de la vida de Warhol acaecido en 1968. En este año, Warhol fue víctima de un atentado con arma de fuego a manos de la escritora feminista Valerie Jean Solanas, quien para entonces sufría de esquizofrenia. El atentado dejó a Warhol al borde de la muerte. 

Otra parte de la crítica atribuye esta serie a la "simple" necesidad representar la condición humana en el único aspecto que es realmente universal: la posibilidad de la muerte. 

El nacimiento de Venus después de Botticelli 

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El nacimiento de Venus después de Botticelli. Serigrafía. 1984.

Si de algo estaba consciente Warhol es de que no solo los íconos del pop pierden su significado después de la reiteración exacerbada en los medios masivos de comunicación. El vaciamiento de sentido no es una exclusividad de las masas. También desde la cultura de élite el significado se pierde, se desdibuja gracias a la mera repetición del signo vaciado de su contexto. Así lo evidencia con su serie El nacimiento de Venus después de Botticelli

Sobre Andy Warhol 

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Andy Warhol fotografiado por Jack Mitchell.

Andy Warhol (1928-1987) nació en Estados Unidos en el seno de una familia de origen eslovaco. Es conocido por su trabajo como artista plástico y cineasta, especialmente por ser parte del movimiento del arte pop o pop art, junto a artistas como Robert Rauschenberg, Jasper Johns y Roy Lichtenstein, entre otros. Además, Warhol fue el promotor de diferentes figuras del arte de los años 70 y 80 como Jean Basquiat. 

Desde niño sufrió de una enfermedad popularmente conocida como el baile de San Vito, que lo obligó a pasar largos períodos de reposo, tiempo que aprovechó en el desarrollo de su creatividad. 

La muerte temprana de su padre significó una infancia de pobreza, por lo que Warhol se propuso volverse un hombre rico en su madurez, tal como sucedió. 

Warhol fue un artista polémico, debido a diferentes aspectos, entre los que podemos contar:

  • La incorporación de los símbolos de la cultura de masas al circuito de las bellas artes. 
  • La utilización de técnicas de reproducción seriada cuestionando el concepto de lo original en el arte. 
  • Desmitificación de la idea de que solo un arduo y largo proceso de creación le da valor a la obra de arte.
  • Una comprensión del mundo del arte desprovisto de su aura mística para reconocer en él su carácter de mercado, negado por los discursos tradicionales.

Todos estos aspectos promovidos por Warhol justo en pleno contexto de la Guerra Fría significaron una importante transformación en la orientación de los intereses artísticos de su tiempo.

Warhol puso en evidencia la omnipresencia de la cultura de masas y la industria cultural, y sacó el mayor provecho de ello para catapultarse social y económicamente.

Así, al tiempo que su obra constituía un gran discurso irónico sobre las incoherencias sociales, él mismo se convirtió deliberadamente en un ícono pop.

Andrea Imaginario
Andrea Imaginario
Profesora universitaria, licenciada en Artes, mención Promoción Cultural (2000), con maestría en Literatura Comparada (2005), por la Universidad Central de Venezuela.